Categoría: Pintura

DESDE EL PARAISO OS LO CUENTO: MONTMARTRE; MOLIENDA, BAILE Y ARTE.

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¿Montmartre? Aunque en laRead More

Las ángelas de Goya son frescos y las de Denise de la Rue tienen frescura.

En la misma zona de Madrid se construyeron tres ermitas dedicadas a San Antonio de Padua en un corto período de la historia: en 1720, la construida por el arquitecto José Benito de Churriguera, impulsada por “los guinderos” (devotos del santo) y derribada en 1768 en tiempos y por orden de Carlos III, Read More

EL FAUVISMO.

Ayer, viernes madrileño lluvioso, después de deshacerme de la bruma espiritual que me ocupa los días muy grises, tomé mi bastón blanco que utilizo más cada día, y que me ayuda a conducir mi ceguera del desconocimiento por estos mundos de Dios, cogí el e-book, y utilizando el transporte público me dirigí al Paseo de Recoletos 23, a la fundación Mapfre, que produce una exposición del FAUVISMO, que estará hasta el 29 de enero de 2017, gracias a los prestadores museos y particulares, que han permitido presentar una muestra de lujo sobre este movimiento artístico. Más de un centenar de óleos, dibujos, acuarelas, y unas cuantas cerámicas merecen una visita…

Fui con mi amiga Lucía, y al llegar, nos preguntaron  si teníamos algún seguro con MAPFRE –era gratis–, o que si tenía yo más de 65 años -2 €–, aunque esta última opción fue contestada por la señorita que vendía las entradas, con un…esa no es para Vd… No fue necesario que mostrara mi edad, y mi ego  navegó por los estratocúmulos, ya que tengo un seguro con MAPFRE, así que pagué 0+3…y entré volando…mientras ella sonreía condescendiente y comprensiva, ya que sabe perfectamente mi edad…

En el siglo XX, el arte en la pintura estuvo configurado por múltiples corrientes –“ismos”– que no se sucedieron en el tiempo, sino que convivieron y se relacionaron entre ellos, generando nuevos movimientos artísticos.

No es adecuado afirmar que fuera en el siglo XX cuando se produjo la gran ruptura en el arte, con todos los movimientos artísticos anteriores. Fue a finales del siglo XIX, y debido básicamente a la Revolución Industrial, a la aportación de las nuevas y  reveladoras teorías filosóficas y a la búsqueda de los artistas del plein air, generando todo ello una necesidad de cambio que provocó diversas corrientes artísticas, a veces tan distantes entre ellas, como las tendencias naturalista y realista o la conceptual.

Tras el Neoclasicismo,  el Romanticismo y el Realismo en el siglo XIX, nació el Impresionismo a finales del mismo y su derivada el Puntillismo –del que se pueden ver en algunas de las obras expuestas una clara influencia–, surgiendo como una reacción contra el arte académico, y siendo considerado el punto de partida del arte contemporáneo, intentando plasmar sobre todo la luz y los efectos de la misma, sobre los objetos y la naturaleza, sin anular la importancia de lo representado. El Impresionismo surgió tras el Eclecticismo –que rompió los estilismos anteriores pero sin personalidad propia señalada– y como una continuación del Realismo.

El Postimpresionismo a finales del siglo XIX y principios del XX intentó llevar más emoción y expresividad a la pintura si cupiera, aproximándose a la naturaleza aún más que los impresionistas, ofreciendo una visión más subjetiva del mundo, con gran interés por las formas geométricas  y la luz inherente a la percepción de la naturaleza, con fuertes pinceladas coloristas, que mostraban las emociones del artista. Así llegó el FAUVISMO, movimiento pictórico francés de corto recorrido temporal, caracterizado por un empleo provocativo de los colores primarios, secundarios y complementarios. y  que se deslizaría hacia el cubismo de la mano de Braque y Picasso.

Seguirían después, pero conviviendo algunos: el Expresionismo, el Expresionismo abstracto, el Cubismo, el Futurismo, el Dadaísmo, el Surrealismo, el Neoplasticismo, Cubismo –son los “ismos”–,  la Abstracción geométrica…Collage…Mashup…

El término fovismo o fauvismo, surge durante la celebración del Salón de Otoño de París de 1905, donde tuvieron los organizadores problemas para clasificar algunas de las obras presentadas. Fue lo mismo que pasó cuando  los impresionistas se presentaron en los Primer y Segundo Salones de París y  fueron calificados de «incoherentes» los artistas y sus obras,  siendo excluidos del salón, por expresarse de un modo tan distinto a lo que había sido “normal”.

El crítico Louis Vauxcelles afirmó sobre el conjunto de las obras  fovistas presentadas al Salón: “Mais c’est Donatello parmi les fauves” (Pero, es Donatello entre las fieras), por lo que de la palabra fauve –bestia– derivó le fauvisme (fauvismo o fovismo). La mención a Donatello se debe a que en la misma sala había una escultura de corte renacentista, un bronce del escultor Albert Marque –no el pintor fovista– representando un niño  con un estilo que recordaba a Donato di Niccolò di Betto Bardi, conocido como Donatello, artista y escultor florentino de finales del siglo XIV y del XV, y uno de los padres del Renacimiento italiano junto a Brunelleschi, Masaccio y Battista.

Este movimiento pictórico fovista duró cuatro años, de  1904 a 1908, y el rechazo de la crítica fue lo que le convirtió en el movimiento de vanguardia en París. En 1904 Henri Matisse, considerado el padre del fovismo, pintó Lujo, calma y voluptuosidad,  siendo esta obra, la que se convirtió en bandera del movimiento, aun pudiendo y debiendo ser encuadrada en el Postimpresionismo (puntillista como se puede ver).

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André Derain. Retrato de Matisse. 1905. Óleo sobre lienzo. 46 x 35 cm. Tate Modern. Londres.

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Henri Matisse. Luce, calm et volupté. 1904-1905. Óleo sobre lienzo. 93,3 x 118,5 cm. Musée D´Orsay. París.

La continuidad reforzada del color, la libertad en la expresión, la  transgresión, la ausencia de la perspectiva, del modelado y del claroscuro, son algunas de las características de este movimiento, llevado a cabo por jóvenes artistas, animados de la vitalidad propia de la juventud y el ánimo revolucionario de la misma. El uso subjetivo del color, la simplificación en el dibujo, los colores chillones –a veces– y los acabados rústicos llevados a cabo por Matisse en las obras presentadas en el Salón de Otoño, fueron reprobados por la crítica. Poco después, se unió al movimiento Maurice de Vlaminck y  André Derain que aparecieron como protesta contra el Positivismo –o Realismo– y el Impresionismo. Sus principales influencias pictóricas fueron de Paul Gauguin y filosóficas de  Nietzsche, Zola y Huysmans.

El maestro de todo el grupo fue Gustave Moreau –gran simbolista que falleció en 1898–, que no enseñaba ninguna doctrina concreta, sino que animaba  a sus alumnos a pintar de la manera  más adecuada a su temperamento. De la obra de Gauguin aprendieron la libertad en el uso del color, así como a dejarse llevar para pintar por el instinto y el temperamento de cada cual. Para los fauvistas el cuadro debía ser básicamente expresión, más que  composición y estructura.

La creación de volúmenes a través de las relaciones entre colores, a veces estridentes, las distorsiones neo impresionistas aunque sin olvidar la función decorativa utilizando frecuentemente líneas onduladas, las estructuras simplistas, los trazos toscos, la luminosidad apasionada y los brochazos fuertes, conforman las características principales de este movimiento tan estético y de sentimientos, que rechaza los convencionalismos pictóricos, incluso de los movimientos inmediatos anteriores, siendo algunos de los artistas más reconocidos del movimiento: Henri Matisse, Maurice Vlaminck –de lo mejor–, Georges Braque –de lo más inteligente–, André Derain -fantástico-, Othon Friesz, Albert Marquet, Raoul Dufy, Charles Camoin, Enric Manguin, Jean Puy, George Rouault, Kees Van Dongen…Aunque a mí personalmente, me agarren más los sentimientos y me abracen mejor el alma, los brochazos y los colores del impresionismo, aunque los fovistas sean grandes acróbatas de la luz y del color.

Este movimiento nació en Francia, pero no fue exclusivo de este país, existiendo  también artistas fovistas en  Bélgica –los fovistas de Brabante–,  España y Hungría.

Paul Signac publicó un tratado en fascículos que fue capital para los foves, llamado D’Eugène Delacroix au néo-impressionnisme.

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Superaron el puntillismo marcado por Paul Signac que influyó sin duda en Matisse –Luxe, calm et volupté y mujer con sombrilla–, Derain –Bateaux à  Coillure–, en Vlaminck –Restaurant de la Machine à Bougival–, y tantos otros…

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Maurice Vlaminck. Restaurant de la Machine  à Bougival. 1905. Óleo sobre lienzo. 60 x 1815 cm. Grand Palais. Musée D´Orsay. París.

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André Derain. Bateaux à Collioure. 1905. Óleo sobre lienzo. 60 x 53 cm. Museum Kunstpalast. Düsseldorf. Alemania.

Albert Marquet, es autor de una gran variedad de paisajes y escenas parisinas, principalmente del río Sena y de sus puentes, todos ellos plasmados a través de trazos simples y enérgicos, donde puede apreciarse su habilidad para simplificar y atrapar la esencia del paisaje que tiene frente a sus ojos. Más adelante abandonaría el fauvismo y desarrollaría un estilo más naturalista y convencional, dejando a un lado los colores rotundos y derivando hacia los grises atmosféricos, los blancos sucios y ocres, manejando con soltura brumas y humos, deshaciéndose de lo accesorio y usando perfiles negros y gruesos, en sus paisajes urbanos.

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Albert Marquet. Quais des Grands-Augustins. 1905-1906. Óleo sobre lienzo. 60 x 73 cm. Musée des Beaux -Arts  André-Malraux. Le Havre. Normandía. Francia.

Cézanne influyó posteriormente en los fovistas, simplificando las geometrías y utilizando menos colores, ayudando a derivar hacia el cubismo. Influyó notablemente y de forma rápida  en Braque –Petite baie de la ciotat–, que comenzó a incluir textos en sus pinturas y a manejar el collage, sobre todo, tras la exposición retrospectiva de Cézanne de 1907 y tras conocer a Pablo Picasso en la época de Las señoritas de Avignon, que hizo que cambiara su estilo, siendo con Picasso  los precursores del cubismo.

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Georges Braque. Petite baie de la ciotat. 1907. Óleo sobre lienzo. 36 x 48 cm. Centre Pompidou. París

Othon Friesz recuerda a Gauguin en algunas obras, con colores más fríos y menos brillante que él,  naturalmente  –Les baigneuses des Andelys–.

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Othon Friesz. Les baigneuses des Andelys. 1908 Óleo sobre lienzo. 97 x 162 cm. Musée Petit Palais. Ginebra. Suiza.

Kees Van Dongen pintó la figura humana de los cafés y del mundo marginal y a menudo paisajes con un lirismo descabellado, reflejando en su obra la ambición del mundo por el poder y el dinero. En sus obras que no son paisajes, utiliza perfiles muy negros y acentuados.

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Kees Van Dongen. Femme fatale. 1905. Óleo sobre lienzo. 81,9 x 60,9 cm. Colección privada.

Matisse no navegó hacia los cauces del cubismo. Su última etapa la marcó la escultura y el corta, pinta y pega, creando cuadros abstractos a partir de recortes de papel de colores, siendo esta herramienta la que le llevó a ser uno de los precursores del collage. Algunas de estas piezas como El caracol fueron tenidas en gran consideración, al igual que la serie de Desnudos azules, cartulinas cortadas, pintadas en gouache y montadas sobre un papel que luego adheriría a un lienzo.  Dos días antes de su muerte, en noviembre de 1954, seguía inmerso en la producción de sus cut-outs  et gouaches découpées.

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El caracol.

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Nu bleu I.  Desnudo azul I.

Nota:

Colores primarios: rojo, amarillo y azul.

Colores secundarios: se obtienen mezclando colores primarios: rojo + azul= violeta; rojo + amarillo= naranja; amarillo + azul= verde.

Colores complementarios: se entiende por color complementario, el color opuesto a otro: para el verde es el rojo, para el azul es el naranja y para el amarillo es el violeta.

Del Palacio Real de Madrid a la Galería de los Uffizi en low cost.

Para ella…

Hace unos días jugando al golf con mi buen amigo Eduardo, y tras hacer él  un birdie en el hoyo siete, lo que le hizo sentirse momentáneamente grande, me dijo mirándome con esa sensación de superioridad que te da lo bien hecho –siempre desde el plano de la buena gente–, y sabiendo que me gusta hartarme de arte: en el Palacio Real de Madrid, han inaugurado una exposición temporal de Caravaggio y tiene también alguna escultura de Bernini.
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EVOLUCIÓN DE LA PINTURA DEL PAISAJE DESDE LA ANTIGÜEDAD HASTA SU MAYORÍA DE EDAD.3

PARTE TERCERA: desde el Tenebrismo hasta la mayoría de edad

Durante los  primeros tiempos del siglo XVII –Tenebrismo 20– la pintura del paisaje estaba aún poco cultivada. El alemán Adam Elsheimer destacó por tratar historias sagradas como paisajes, en las que a veces realizaba estudios sobre los efectos atmosféricos, de la luz y de los amaneceres y anocheceres.Read More

EVOLUCIÓN DE LA PINTURA DEL PAISAJE DESDE LA ANTIGÜEDAD HASTA SU MAYORÍA DE EDAD.2

PARTE SEGUNDA: desde el Cinquecento hasta el Tenebrismo

Los diferentes movimientos artísticos, aunque con el tiempo pueden llegar a tener carácter universal, nacen en algún lugar concreto del mundo y  van llegando cierto tiempo después a otros países o zonas, llevados por exportaciones culturales, sociales o comerciales de algún tipo.Read More

EVOLUCIÓN DE LA PINTURA DEL PAISAJE DESDE LA ANTIGÜEDAD HASTA SU MAYORÍA DE EDAD.1

PARTE PRIMERA: desde la Antigüedad hasta el Cinquecento

Se puede entender por paisaje, una extensión de terreno que podemos observar, compuesta de elementos de la naturaleza, y vista desde un lugar determinado. La pintura del paisaje es el nombre que la historiografía del arte da al género pictórico que representa un paisaje.

Se intentará hacer un pequeño recorrido por la historia de la pintura, en relación a la evolución de la utilización del paisaje en la misma, hasta situarnos en el momento de su reconocimiento como género de entidad propia y su posterior llegada a la mayoría de edad en el siglo XIX.

Durante la Antigüedad destacan las pinturas orientales con perspectiva lineal, sin fuente de luz y carente de sombras, primorosas y con poca variedad de temas, utilizando tintas, aguadas y esfumado. Su aportación significativa a la pintura del paisaje, fue dotarla de gran carga filosófica a través de la minuciosidad de los dibujos. Fue básicamente decorativa.

De la cultura egipcia, caben resaltar, las escenas en relieve del Imperio Antiguo y  los frescos del Nuevo, de paisajes que ambientan escenas de caza o rituales, para adornar las tumbas de la nobleza.

En la cultura clásica grecorromana, los paisajes eran pintados al fresco como fondo de la escena principal, que era decorativa. Aún no se había estudiado, ni se utilizaba por tanto, la perspectiva, aunque se dotaba a  los paisajes de gran plasticidad y se idealizaban poéticamente.

En la Alta Edad Media, se produce una transición social importante en la forma de vida: de la producción del régimen esclavista al sistema feudal y en lo cultural, de la cultura clásica a las culturas cristiana e islámica. El paisaje tiene en esta época un papel simbólico, constituyendo el fondo de las escenas religiosas o paganas –dependiendo de la cultura– que predominan en las representaciones artísticas. La Baja Edad Media sigue este mismo camino de mediocridad artística general –a pesar de las bellezas del arte bizantino– hasta prácticamente el siglo XIV, cuando Giotto comienza a explorar las técnicas de la perspectiva, seguido de Ucello y Gozolli. Giotto fue el primero que sustituyó los fondos dorados de las imágenes del arte bizantino, por paisajes reales (Lamentación sobre Cristo muerto1. 1302-1305. Capilla Scrovegni. Padua).

Los primeros pasos en la representación “real” del paisaje comenzaron en el siglo XIII, existiendo con anterioridad representaciones de la naturaleza pero de carácter muy simple: cenefas para nubes o líneas onduladas para representar al mar. También señalar que las miniaturas medievales son muy refinadas y algunas consideradas como las primeras obras del género paisajístico, aunque  sólo deben considerarse  un intento anecdótico.

Consideraba Cristóbal Cellarius2 que la Edad Media no tuvo apenas valor artístico, siendo un puente sin nada reseñable en cuanto a arte se refiere, entre la Edad Antigua con el arte de las civilizaciones grecorromanas y la renovación cultural de la Edad Moderna. Considera al artísticamente importante siglo XV, fuera de la Edad Media, opinando lo contrario que la mayor parte de los historiadores es decir que la Edad Media va desde la caída del Imperio Romano de Occidente (476) hasta el descubrimiento de América (1492), hasta la caída del Imperio Bizantino (1453), hasta la invención de la imprenta (1440) o hasta el fin de la guerra de los 100 años (1453) (fecha de diferentes criterios pero todas alrededor de mediado el siglo XV) , es decir, el S XV incluido. La cuestión es que el siglo XV comienza a ser interesante para la pintura del paisaje y lo extraeremos de la Baja Edad Media –como Cellarius– para no considerarlo dentro de la mediocridad artística de esa época.

Fue en los siglos XV y XVI cuando tuvo lugar un cambio profundo en la actitud de los científicos, los intelectuales y los artistas que comenzaron a mirar al mundo de otra manera, como consecuencia de las ideas del Humanismo. Las sociedades europeas fueron cambiando y diversificándose a merced de los cambios espirituales provocados por el desarrollo social e ideológico, por las reformas luterana, anglicana y calvinista, la Contrarreforma  católica y más tarde la Ilustración y la Revolución francesa.

En el siglo XV el interés por el arte como ciencia, y la aproximación científica al mismo condujeron al descubrimiento de la perspectiva, y desde entonces las representaciones pictóricas se relacionaron con las matemáticas, la geometría y otras ciencias.

En el Quattrocento –siglo XV– el estudio del esfumado de da Vinci3, de la perspectiva y de la composición de Mantegna, Paolo Ucello4 y Gozzolli, de la luz, de Piero della Francesca5, del color y la sensibilidad de Fra Juan de Fiésole6 (Fra Angélico), y otros como Botticelli7, Bellini8 o Masaccio, comienzan a dar una nueva dimensión a la pintura del paisaje.

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Giotto Lamentación sobre Cristo muerto

1Giotto di Bondone. Lamentación sobre Cristo muerto. 1302-1305. Fresco. 200×185. Capilla de los Scrovegni, Padua.

2. Cristóbal Cellarius(1638-1707), profesor alemán de retórica en la Universidad de Halle e historiador.

Ha sido reconocido universalmente como el creador de la división clásica de la Historia de la Civilización- debería suponerse que sólo  de la Occidental por no considerar en absoluto las milenarias civilizaciones de Oriente – en tres edades: Antigua, Media y Moderna. A esa clasificación debe añadirse la  Contemporánea, que comenzaría en 1789 con la Revolución francesa. En su división histórica, puso énfasis en el mundo clásico y el renacimiento como pilares básicos de la división de la misma. Hoy se podría estar de acuerdo en sus consideraciones, o no.

Historia de civilización Occidental

Protohistoria: final de la prehistoria a la Edad Antigua.  

                        Antigüedad  clásica                                            Alta Edad Media

Edad Antigua                                                         Edad Media                              

                        Antigüedad tardía                                               Baja Edad media

SIGLO XV.

Edad Moderna: siglos XVI Y XVII.   

SIGLO XVIII: de las luces. La Ilustración.

Edad Contemporánea: siglos XIX, XX y XXI.

 

Leonardo da Vinci La Adoracion de los Magos

3. Leonardo da Vinci. Adoración de los Magos. 1481–1482. 246×243. Óleo sobre tabla. Galería Ufficci. Florencia.

 

 Uccello San Jorge y El Dragón

4. Paolo Ucello. San Jorge y el dragón. 1456–1460. 52×90. Temple sobre madera. Museo Jacquemart–André. París.

 

 4 della Francesca San Jerónimo penitente

5. Piero della Francesca. San Jerónimo penitente. 1450. 51,5×38. Temple sobre tabla. Staatliche Museen. Berlín.

 

 5 Fra Angelico La Anunciación

6. Fra Angélico. La  Anunciación. 1426. 194×194. Oro y temple sobre tabla. Museo del Prado. Madrid.

 

 6 Boticcelli Primavera

7. Sandro Boticelli.  La Primavera. 1481-1482. 203 x 314. Temple sobre tabla. Galería Uffizi. Florencia.

 

7 Giovanni Bellini Alegoría sacra

8.Giovanni Bellini. Alegoría sacra. 1490. 73×119. Temple sobre madera. Galería Uffizi. Florencia.